BG Art Gallery

Artist

• Born in Agrigento in 1972. She currently lives and works in Berlin

Winner of numerous awards and a featured artist in international shows and exhibitions, filmmaking is her preferred medium of expression. She has carried out research and experimentation for years using the language of cinema and sculpture, reflecting on the poetic qualities of the natural and man-made landscape and on places as an archive of memory, discarding the concept of linear time. Images with a powerful impact, portraits of obsolete architecture and natural landscapes and films of remote deserts are recurrent in her work, combined with fragments of text and scenarios in which past and present are intertwined.

Work

The work on display (Language Infinity Sphere - recording, 2018) is the result of a performative act executed using a steel ball covered completely in typographic characters made of lead, which were inherited from an Italian printworks that closed after forty years of business. With a unique and repetitive movement, the artist rolls that sphere over the canvas, creating a fragmented text that is print on the canvas itself. The work is a rebellion against the contemporary diluted language.

Artist

• Born in Ancona in 1966. He lives and works in London.

Enrico David is one of the most original and versatile artists on the Italian and international scene. David uses a variety of techniques in his work - including sculpture, painting, installation, and works on paper - to develop a dynamic and unique vision of the human form. Often mutable and grotesque, yet sometimes fragile and vulnerable, David’s characters represent a universal expression of the human experience, through a deeply personal formulation encompassing the artist’s memories and stories, as well as literary references. All this interweaves with an artistic discourse that embraces visual references ranging from Art Deco and applied arts to the works of the beginning of the twentieth century: Andrè Gide, Dora Maar, Koloman Moser, Oskar Schlemmer and Sonya Delaunay, to mention but a few.

Work

The painting shown here (Untitled, 2018) is an iconic example that reflects the circular process inherent in his art, in which the human form is modelled, remodelled and continually renewed. It is an enigmatic image, a representation of a human body, particularly of a face, that is ephemeral as it emerges almost like a cloud from the ether. Intangible and blurred, this image seems to appear out of nowhere, to then return to nowhere.

L'artista

• Patrizio Di Massimo, nato nel 1983 a Jesi.
• Vive e lavora a Londra, dove si è diplomato alla Slade School of Art. Ha esposto con mostre personali presso importanti gallerie e musei nazionali e internazionali.

Per Patrizio Di Massimo la pittura è l’origine di ogni espressione dell’arte contemporanea, “è tutto, anche quello che non è”. L’interesse per la storia della pittura e, nello specifico per la cultura figurativa italiana, è evidente sin dal principio della carriera di Massimo
e la storia è da sempre sua fonte d’ispirazione. Da qui i frequenti riferimenti formali all’iconografia classica e l’utilizzo di materiali e oggetti che rimandano a una modernità novecentesca. Giocando ambiguamente con l’idea canonica di mascolinità, le sue opere diventano parafrasi di una cosmologia personale, popolata di figure caricaturali, erotiche e grottesche, classiche e contemporanee.

L'opera 

Il dipinto Autoritratto (con Philip Guston) si aggiunge alla serie di ritratti di persone dormienti che l’artista ha iniziato nel 2021, dove molto spesso è soggetto delle sue stesse opere. Nel quadro qui esposto Di Massimo si concentra su se stesso, assopito tra lenzuola di colore verde in compagnia solo di un personaggio elettivo. Appoggiato sulle coperte c’è infatti il libro “I paint what I want to see” del pittore statunitense Philip Guston. “L’autoritratto si compie quando c’è un coinvolgimento personale. In fondo la mia pittura è un racconto su di me. Io stesso, solo nello studio, faccio da modello. Ogni dipinto è una seduta psicoanalitica, e quello che faccio è mettermi a nudo di fronte al pubblico”.

Artist

• Born in Treviso in 1973. She lives and works in Turin.

Some of the materials she uses the most in her works include confetti, cement, nitrogen cylinders, carwash brushes and woollen threads. Never one to stick to a single form of expression, the artist flits between different languages — primarily installation and sculpture, but also drawing, video, performing arts and references to painting — adopting a profoundly empirical approach, which leaves room for improvisation, the unexpected and error. This results in works that often have no predefined form, but where this is questioned by destructive processes (either human or mechanical) activated by the artist, starting with a reflection on the ephemeral nature of things and on concepts of time, loss, entropy, traces, memory and transformation. Pervaded by a tragic feeling, which gains ground even where there seem to be lighter references and materials, Lara’s works question the fetish character of the artwork, its aesthetic value and its very essence, through the acknowledgement of the futility of the efforts that generate it and their potential for failure.

Work

Since 2010, Lara Favaretto has added cement to her expressive lexicon, producing a series of markedly sculptural iconographies that include Squeezing, 2014, on display here. In order to explore the expressive potential and the twofold nature — solid and malleable — of this new medium, Lara perforates it and makes impressions in it with other objects when it is still fresh. The artist thereby freezes her actions and states of mind: the surface of these blocks, which harden gradually, is no longer smooth, thus revealing the transitory nature of the artistic process that is impressed upon the material and in the titles, which describe the action to which the blocks were subjected.

Artist

• Born in Stockholm in 1976, she lives and works in Milan.

Linda’s art practice involves collecting and gathering pre-existing photographic images. They became the starting point for her works, which are the result of a long, meticulous creative process of reworking and reactivating that brings new meanings to the images.

Works

Découragé dans la chambre en cherchant les images obscure mémoire de la lumière d’argent, 2017.

This work is tied to an exhibition dedicated to Monegasque-Brazilian artist and inventor Hercule Florence (1804-1879) curated by L. F. Nagler in 2017 with C. Raimondi. Florence was the first to use the term “Photographie” as the title of a priceless 1833 manuscript of his. 180 years later, Nagler photographed this document, isolating some of its emblematic terms, enlarging and redrawing them, copying them by hand using graphite and painstakingly reproducing the paper’s pattern and inkstains. The work consists of eight drawings creating a new sentence that is ideally an emanation of the photography itself and find its place in history.

Seconds from Plunge, from the series Pour commander à l’air, 2014.

The piece is part of a series presented in Rome at the 2014 MAXXI Prize. Pour commander à l’air is a cycle of works composed of 15 photographs and three sculptures. The photographs come from the vast iconographic repertoire of 20th century news journalism. The originals, collected by the artist over the years, were re-photographed and enlarged in a darkroom. In the photographs, each figure is about to jump or is suspended in a precarious equilibrium. This theme is a reflection on time, suspension and the condition of absolute uncertainty created by the image itself: it reveals nothing of what happened before or after the moment of the shot.

Fuji from Kawaguchi, 2018, from the series Hana To Yama.

For years, L. F. Nagler has been collecting photographs belonging to the “Yokohama School”, inaugurated during the Meiji era (1868-1912), which coincided with the modernisation of Japan and the opening of its borders. The photographs, the handcolouring of which took at least a day’s work, were sold to wealthy travellers and supported the concept of uncontaminated exoticism that they held of Japan. Nagler re-photographed the originals in her possession, re-printed them in the darkroom and coloured them by hand, after a long process of research and preparation of materials and pigments that can today be compared to those of the “Yokohama Shashin”. The work on display consists of four photographs of Mount Fuji, taken from the same privileged spot. In Nagler’s works, her sophisticated, ingenious original attempt to restore realism by colouring the photographs translates into uniform fields of colour, small samples or parts left in black and white, inspired by the sampling of restoration, which reveal the grayscale of the underlying photograph.

L'artista

• Nata nel 1973 a Brindisi.
• Vive e lavora a Parigi.

Un artista che esplora il rapporto tra scultura, immagine e spazio, e si è distinto per il suo approccio alla costruzione delle immagini: confrontandosi sia con la fotografia che con la scultura, senza mai stabilire una gerarchia tra i due mezzi espressivi, l’artista si è concentrato invece sull’integrazione dei diversi linguaggi.

L'Opera

Elementi di questa indagine emergono nella serie di bassorilievi, realizzati attraverso una meticolosa tecnica con vernice acrilica, resina, fibra di vetro. Recuperando una tecnica scultorea antichissima, che dalle antiche civiltà mesopotamiche al Medioevo e al Rinascimento europei coniuga scultura e pittura, Gabellone indaga la dialettica tra la bidimensionalità della prima e la tridimensionalità della seconda, tra figurazione e astrazione, tra rappresentazione e ornamento. Si tratta di opere molto rappresentative della pratica dell’artista perché racchiudono molti aspetti chiave del suo lavoro, come l’attitudine a lavorare al confine tra linguaggi diversi, la riflessione sul rapporto tra astrazione e figurazione, la dialettica tra volume, immagine e percezione. Le forme del bassorilievo e dell'altorilievo, tra l’altro, non sono nuove nella produzione dell’artista, che già le aveva adottate nell’ opera esposta alla 50° Esposizione Internazionale di Venezia nel 2003. Il titolo Falsa Finestra, si riferisce al rapporto interno-esterno che la finestra implica ma allo stesso tempo ne sottolinea la natura artificiale: non si può realmente "guardare attraverso" queste finestre, e al contrario della “finestra aperta sul mondo” della pittura rinascimentale, non hanno niente a che fare con la verosimiglianza. Al contrario, la figurazione sembra addirittura scomparire negli abissi del colore e quello che rimane è una certa idea di paesaggio, che si delinea attraverso una serie di elementi che sembrano affiorare e affondare nella densa struttura della materia. È solo avvicinandoci che “entriamo” in questi paesaggi, riuscendo a percepire una serie di elementi invisibili a distanza, e come in un paesaggio il colore dominante è formato da una innumerevole serie di altri elementi colorati, guardando da vicino le opere di Gabellone scopriamo che il colore d’insieme è la somma di una molteplice combinazione di punti cromatici. Anche le forme che si intravvedono sembrano generarsi attraverso un meccanismo simile, affiorano da una serie di cancellature e riformulazioni e sembrano implicitamente nasconderne altre. Gabellone trova nel bassorilievo il luogo in cui si fondono astrazione e figurazione, decorazione e narrazione, pittura, scultura, e architettura, e i suoi lavori si inseriscono così in un discorso più ampio sulla simulazione e sulla rappresentazione dello spazio nell’arte contemporanea.

L'artista

• Nato a Cervia nel 1963.
• Vive e lavora a Los Angeles. Ha esposto con mostre personali presso importanti istituzioni in Italia e all’estero.

Fondendo cultura pop e immaginario contemporaneo con riferimenti alla storia dell’arte e alla tradizione italiana, Alessandro Pessoli ha costruito in oltre trent’anni di carriera, un universo onirico abitato da personaggi eccentrici in cui stili e forme del passato sono rivisitati 
e reinterpretati in tipologie iconografiche metamorfiche e surreali. Nel suo lessico trovano spazio anche la fantascienza, il fumetto, il cinema, il teatro.

L'opera 

Nel dittico qui esposto The Justice, 2021 e Jung William Blake, 2021 l’artista è alla ricerca di un equilibrio fra disegno e pittura, leggerezza del segno che accenna velocemente le forme e la stratificazione densa di memorie tipica della pittura. I soggetti ritratti sono figure immaginarie maschili e femminili le cui pose classiche ricordano personaggi della Disney da una parte, e le illustrazioni della Divina Commedia di William Blake dall’altra. Le figure sono entrambe ritratte su uno sfondo volutamente bianco: non esiste ambientazione, ma una sola luce che rende ogni cosa leggibile.

I dipinti, contenuti all’interno di una cornice dagli angoli smussati che ne delimita lo spazio, - a metà tra una quinta teatrale e la sagoma di uno smartphone - riportano sotto le figure i rispettivi titoli: un riferimento alle carte dei tarocchi dove le immagini di uomini  e donne sono simboli che rappresentano le fasi altalenanti della vita, quegli alti e bassi che ne scandiscono il percorso e ci ricordano che tutto è in continuo cambiamento.

L'artista

• Nato a Milano nel 1989.
• Vive e lavora a New York. Ha esposto con mostre personali in Italia e all’estero.

Giangiacomo Rossetti lavora principalmente con la pittura come mezzo espressivo e porta avanti una ricerca che si interroga sulla natura stessa del linguaggio pittorico, sulle sue potenzialità e sulla sua possibilità di esistere all’interno del panorama visivo contemporaneo. Attraverso una pluralità di riferimenti che spaziano dalla pittura rinascimentale alle tendenze moderniste, Rossetti ha elaborato un repertorio iconografico popolato di personaggi contemporanei, provenienti dalla sua cerchia di amici e familiari, ma ritratti in pose o all’interno di scene che rimandano direttamente a maestri del passato, dal Bronzino a Gustave Courbet, da Arnold Böcklin a Giacomo Balla. Questo processo di appropriazione e re-immaginazione del passato diventa uno strumento per riflettere sulle implicazioni del fare e guardare la pittura.

L'opera 

The Reign of Comus, 2024, è un esempio perfetto di questa contaminazione tra passato e presente, tra la storia dell’arte occidentale e la sua reinterpretazione attraverso uno sguardo contemporaneo che è la cifra distintiva del lavoro di Rossetti. Il dipinto ritrae un amico dell’artista in un contesto domestico, nel gesto quotidiano di guardare il cellulare. Da una parte la figura ha una posa classica, dall’altra l’abbigliamento e il contesto la trasformano in un personaggio che appartiene al nostro tempo.

L'artista 

• Nato a Brescia nel 1971
• Vive e lavora a Milano

Francesco Vezzoli è uno degli artisti italiani contemporanei più riconosciuti a livello internazionale, da sempre interessato ad analizzare i miti della cultura contemporanea, il potere della comunicazione mediatica e i meccanismi che generano e regolano l’immaginario collettivo. 

L'opera

Ricche di citazioni e riferimenti che attingono tanto alla storia dell’arte, alla letteratura, quanto alla musica e ai reality show, le sue opere coniugano cultura “alta” e “bassa”, ibridando spesso il fascino senza tempo del cinema con il trash quotidiano del mondo televisivo. La produzione di Vezzoli è costellata, fin dai suoi esordi, di opere costruite intorno alle figure di dive e personaggi celebri, cui l’artista affida le sue riflessioni sull’ambiguità del vero, sul potere seduttivo del linguaggio e sulla fragilità dell’essere umano. Sebbene l’artista utilizzi un’ampia varietà di mezzi espressivi che spaziano dal video alla fotografia, dalla performance alla scultura, con una predilezione per il mezzo cinematografico, fin dagli inizi della sua carriera Vezzoli si è dedicato anche a una tipologia importante di lavori in cui impiega la tecnica del ricamo, applicandola a un ciclo di ritratti diventati tra i lavori più significativi e rappresentativi della sua produzione. Ne è un esempio iconico Comizi di non amore - The prequel (Contestant n.3: Marianne Faithfull), ritratto legato a una delle opere più note dell’artista, “Comizi di non-amore” concepita in occasione della mostra “Trilogia della morte” (2004) alla Fondazione Prada ispirata a due celebri lavori cinematografici di Pier Paolo Pasolini, Comizi d’amore (1965) e Salò o le 120 giornate di Sodoma (1975). In “Comizi di non-amore” Vezzoli reinterpreta la tradizione del documentario e del cinéma-vérité secondo i canoni più classici della televisione pop, trasformando il film inchiesta di Pasolini in un vero e proprio reality show in cui, come sempre accade nei lavori dell’artista, partecipano figure ‘cult’ come Catherine Deneuve, Antonella Lualdi, Terry Schiavo, Jeanne Moreau e Marianne Faithfull.